Conferencia sobre Arte y Rehabilitación.
6º Congreso Latino Americano de Arte Terapia. Vicente López. Buenos Aires. Agosto. 2010
por JULIO CASTELLANO
Abstract:
- El arte es uno de los pocos medios de que dispone un individuo para hacer perceptible a los demás lo que le diferencia de ellos.
- El potencial “psicoterapéutico” se encuentra en la creatividad de las personas y en el acto de hacer arte. Es decir, en la capacidad inherente de todos nosotros para autoexpresarnos.
- En el mundo existencial postmoderno, el arte ha llegado a un “cul-de-sac” , a un punto muerto, sin retorno, sin salida.
Desarrollo de la conferencia:
- ¿Qué es el arte?. < pregunta latente desde la época de Platón >
- El modelo progresivo de la historia del arte «identificó la historia estilística con la conquista gradual de las apariencias naturales».
- La historia del arte podía interpretarse como la progresiva disminución de la distancia entre representación y realidad.
- En los períodos mas primitivos, cuando los artistas no eran tan hábiles en representar rostros y actitudes humanas, se esforzaron por plasmar : Los sentimientos que querían transmitir.
- La pintura primitiva era mágica, se basaba en la creencia universal : En el poder de la creación de imágenes.
- Los ideogramas son pinturas o “gestos congelados”, liberación abrumadora de energía, dinamismo eufórico.
- La maestría en la ejecución de una obra no es garantía de que esta sea arte.
- Benedetto Croce (1920), supone que el arte es un tipo de lenguaje, y que el lenguaje es una forma de comunicación; lo que diferencia el Arte del no Arte (según Croce) : “es el grado de intensidad en la expresión..... en lo que se expresa y como se expresa..¡¡”
- En la expresión pictórica los objetos se hicieron cada vez menos reconocibles y acabaron finalmente desapareciendo por completo implicando una referencia a sentimientos no objetuales.
- Ausencia de premeditación “en formas y gestos”,. "expresiones inconscientes de fenómenos de carácter interno”.
- Los monjes Zen, convirtieron el pincel y el acto de pintar en un instrumento de liberación espiritual….
- -La utilización y aplicación de los métodos y conceptos de la Salutogénesis——————————————————————————————————————
La historia del Arte no es una historia del progreso visual o de los perfeccionamientos técnicos, sino una historia del cambio de ideas y exigencias.
En 1919 Witkiewicz predijo el fin del arte, creía que la humanidad había perdido la “inquietud metafísica”, pues según dijo : el mundo contiene “sólo una cantidad finita de estímulos y de combinaciones y alguna vez se agotarán”.
Hegel afirmó de un modo bastante inequívoco que el arte como tal, o al menos su plasmación más elevada, había llegado prácticamente a su fin como etapa histórica.
Hegel pensaba que las energías de la historia habían coincidido durante un determinado
periodo de tiempo con las energías del arte, pero que ahora la historia y el arte habían tomado direcciones diferentes.
Según Arthur Danto , “el Arte ha muerto”. Sus movimientos actuales no reflejan la menor vitalidad; ni siquiera muestran las convulsiones que preceden a su muerte.
En los períodos mas primitivos, cuando los artistas no eran tan hábiles en representar rostros y actitudes humanas, lo que resulta más impresionante es ver como, a pesar de todo, se esforzaron por plasmar : los sentimientos que querían transmitir.
En la prehistoria, encontramos, que el arte era mucho mas importante, mucho mas fundamental, mas necesario que un juego, que un pasatiempo. Era una forma simple que reflejaba los problemas, las preocupaciones sociales del grupo, la emergencia espiritual, la sanación y el bienestar del grupo. Su rol, su lugar en la sociedad no era pasivo.
El Arte era central al proceso de conexión con la vida, permitiendo, posibilitando a los
participantes, a cooperar con su entorno a través de la religión y la magia.
La pintura primitiva era mágica.
Se basaba en la creencia universal: del poder de la creación de imágenes.
Vivían en un mundo imaginario, < para el subsconsciente la creencia en la realización de algo es lo mismo que la acción propia > y pensaban que podían ser hombres y bestias al mismo tiempo. (Algo semejante a cuando los niños juegan a ser piratas o detectives, llegando un momento en que no saben cuando termina el juego y comienza la realidad).
Muchas obras artísticas están basadas o mejor dicho operan al mismo nivel , “si se ejecuta esta creencia mágica requerida desde el inicio”.
La maestría en la ejecución no es garantía de que sea una obra de arte.
El modelo progresivo de la historia del arte tiene su origen en Vasari, que «identificó la historia estilística con la conquista gradual de las apariencias naturales».
Creo que, en términos generales, parte del contenido de las obras de arte, especialmente de las que remiten al concepto tradicional de «obra maestra», es el virtuosismo que precisa su realización, y que la temática inmediata de dichas obras, cuando existe, no es más que una ocasión para la temática real, que es la demostración del virtuosismo.
El contenido de ciertas composiciones musicales que requieren un especial virtuosismo interpretativo es en parte ese mismo virtuosismo requerido para tocarlas: lo que llamamos «piezas de lucimiento.
La pintura se consideraba en el siglo XIX como la disciplina progresiva “par excellence” : la prueba de que el progreso en los aconteceres humanos era realmente posible.
El progreso en cuestión se ha planteado en gran parte en términos de duplicación óptica, en el sentido de que el pintor disponía de tecnologías cada vez más refinadas para suministrar experiencias visuales de efectos equivalentes a las proporcionadas por los objetos y escenas reales. La historia del arte podía interpretarse por tanto como la progresiva disminución de la distancia entre representación y realidad.
Sólo en dos ocasiones, primero en la antigua Grecia y después en la Europa del Renacimiento, se ha señalado la fidelidad óptica como una meta artística.
Siempre ha sido posible imaginar, al menos a “grosso modo”, el futuro del arte construido en términos del progreso de la representación.
Pero posteriormente , es posible hablar del fin del arte, al menos como disciplina progresiva. Una posible confirmación es el hecho de que los pintores y escultores comenzaran a abandonar visiblemente ese objetivo aproximadamente al mismo tiempo en que entraron en juego todas las estrategias básicas de la fotografía y del cine narrativo.
Hacia 1905 ya se habían descubierto casi todas las estrategias cinematográficas, y fue por
esas mismas fechas cuando los pintores y los escultores comenzaron a preguntarse, aunque
sólo fuera a través de su actividad, qué les quedaría a ellos por hacer, ahora que otras
tecnologías habían tomado, por así decirlo, el relevo.
Benedetto Croce (1920) “La comunicación del sentimiento será satisfactoria en la medida en que la obra pueda mostrar a qué objeto remite el sentimiento expresado “., supone que el arte es un tipo de lenguaje, y que el lenguaje es una forma de comunicación.
Según Croce , lo que diferencia el Arte del NO Arte es :
“el grado de intensidad en la expresión.....¡¡” en lo que se expresa y como se expresa..¡¡.
Si el motivo se muestra como se muestra, es porque el artista lo siente como lo siente.
Si De Kooning pinta una mujer a brochazos, si El Greco pinta santos como formas verticales “V” estiradas, si Giacometti modela figuras incoherentemente demacradas, no es por razones ópticas ni porque esas mujeres, santos o figuras sean realmente así, sino porque los artistas revelan respectivamente sentimientos de agresividad, anhelo espiritual y compasión.
Esto resulta especialmente delicado desde el momento en que la teoría plantea que el objeto representado por la obra se convierte en la ocasión para expresar algo sobre él, y
empezamos entonces a reconstituir la historia del arte a partir de estos nuevos planteamientos.
En ese momento, tenemos que decidir en qué medida las discrepancias con una equivalencia perceptiva ideal se deben a un déficit técnico y en qué medida se deben a la expresión.
Los abstracto expresionistas . (1935-1950)
Los objetos se hicieron cada vez menos reconocibles y acabaron finalmente desapareciendo por completo en el expresionismo abstracto, en el que la interpretación de una obra puramente expresionista implicaba una referencia a sentimientos no objetuales: alegría, depresión, entusiasmo generalizado, etc.
Los pintores de Nueva York dirigieron su mirada a Jung, para quién el subconsciente abría
las puertas no solo a las neurosis sino a los arquetipos universales de la experiencia humana.
Jung demostró que el mundo primitivo era una cantera virgen de símbolos; símbolos tan
pertinentes en el mundo moderno como lo fueron en el pasado prehistórico.
Pensaron que la moderna psicología parecía demostrar que la mente consciente ejerce una
autoridad represiva en el subconsciente y que en el caso de aflojar su freno, las fuentes del sentimiento volverían a fluir claras nuevamente.
El arte visto de esta manera se convertía en un método de autorrealización. El creador daba la bienvenida a lo accidental y explotaba el azar, daba la bienvenida a una estética que repudiaba la hegemonía del intelecto y permitía que el artista se expresara de forma libre y subjetiva.
Numerosos pintores empezaron a concentrarse en el acto de pintar sin mas impedimento que la decisión de hacerlo. Partían de un principio ya bien establecido. Si vaciaban sus mentes de prejuicios y aplicaban el pigmento con un máximo de espontaneidad, las imágenes que hacían eran la expresión de los niveles más profundos de su ser.
El gesto o el “acto de pintar” fue una aportación del arte oriental sobre todo de la caligrafía china, en la cual la pincelada tiene suprema importancia, eliminando la contradicción entre sujeto y objeto al concentrarse en el proceso de la elaboración de signos, participando con ello en una serie continua de acontecimientos (generación y regeneración).
Baziotes estaba de acuerdo con Jung en la importancia de un“arteprimordial” que permite hechar “una mirada en el abismo insondable de lo que aun no existe”.
Los ideogramas son en realidad “gestos congelados”. Sobre todo en estas pinturas, hay una liberación abrumadora de energía, un dinamismo eufórico.
Hoffmann enseñaba que “la expresión creativa es la traslación espiritual de los conceptos inherentes a la forma, que resultan de la fusión de estas intuiciones con los medios artísticos de expresión en una unidad de espíritu y forma”, la pintura era para el : Forma y color o Color y forma.
Las imágenes que emplearon Pollock y sus seguidores se basaron en formas “biomórficas”, con signos primitivos y con formas que salen de un tratamiento libre de la pintura y con los modelos semiconscientes del automatismo.
Pintores como Masson y Matta, ofrecian telas espontáneas, semiabstractas, llenas de formas sacadas de las profundidades del subsconsciente.
La importancia del proceso a expensas del producto.
Sobre todo en estas pinturas, hay una liberación abrumadora de energía, un dinamismo eufórico.
Pollock trabajaba de forma muy rápida, después de largos períodos de meditar caminando alrededor del lienzo.
Es la explotación del azar dijo Pollock: “ La pintura tiene vida propia y trato de dejar que se manifieste..¡¡ “.
Compromiso con la honestidad emocional.
En 1950 Robert Motherwell escribió:
“El proceso de pintar está concebido como una aventura, sin ideas preconcebidas, por personas inteligentes, sensibles y apasionadas”.
Según Newman,(utilizando un concepto del autor clásico Longino): “La base de la belleza es el placer, y la de lo sublime, el miedo o el dolor”.
Una obra “se convierte en sublime cuando el artista trasciende su angustia personal, cuando proyecta en medio de un mundo de chillidos una expresión de la vida y de su silenciosa y ordenada finalidad”. y añade que “Mi idea era que con un movimiento automático se podía crear un mundo” y así dentro de la misma linea de pensamiento continua Clifford Still, quien poseía una noción exaltada del arte., “la finalidad es purificar el acto de pintar de modo que pueda trascender y llegar a ser una afirmación autosuficiente de lo sublime”.
Jorge Kleiman, investigó la “Energía hecha Cuerpo”. El cómo esa energía está distribuida, cómo puede dirigirse, y los efectos que produce cuando aprendemos a manejarla;“ es una suerte de liberación, permitiendo que el movimiento fluya sin estorbos, sin frenarse en las articulaciones, que son lugares de cruce y potencialmente barreras; también consiste en llevar el pensamiento a situarse en puntos específicos de nuestro organismo que se convierten así en Centros o núcleos de energía que regulan y organizan cualquier expresión dinámica, a manera de polos magnéticos ” .
Mark Tobey compartió sus intereses en filosofía y religiones orientales. Junto con Guy Anderson, Kenneth Callahan, Morris Graves, y Willem De Kooning, Tobey fue fundador de la Escuela del Noroeste. Estudiando la caligrafía china y la pintura zen, desarrolla a partir de 1935 una pintura meditativa constituida de un hormigueo de señales.
Casi todos ellos pasaron por un proceso personal que podríamos llamar Transpersonal
en el tiempo; a saber:
Maestros orientales, serena meditación zen, caligrafía china y grafismo gestual como resultado en su expresión, fluidez en el uso y expresión del color, liberalización emocional en la aplicación de la mancha y energía corporal consciente en la aplicación del gesto pictórico.
En Europa sucedió lo mismo con el “nuevo arte abstracto” conocido como : Arte Informal,
abstracción lírica o tachismo en la cual hubo numerosas declaraciones sobre la espontaneidad de la técnica, la liberación de las viejas convenciones formales, el cultivo del
subconsciente y el rechazo del espacio ilusionista. Pinceladas libres, gestuales y nada planeadas; utilización del arte como vehículo para la auto-revelación y rechazo del interés por la “cualidad pictórica”.
Lucio Fontana declaró: “Necesitamos un arte que se valore a si mismo y no lo haga por medio de las ideas que podamos tener acerca de él. El color y el sonido se encuentran en la naturaleza y están ligados a la materia. La materia, el color y el sonido: éstos son los fenómenos cuya evolución simultánea forma parte integral del nuevo arte.”
Materia y gesto, la marca del pincel o signo caligráfico vistos como un registro de la actividad psíquica, borrones de color vertidos en el papel en rápida sucesión que se reúnen en un campo de energía que el ojo puede leer pasando de un pequeño signo expresivo a otro. En definitiva “autonomía intrínseca de la obra de arte” y fenomenología del “mismísimo acto de pintar”.
¿Qué es el arte?. < pregunta latente desde la época de Platón >
Esta pregunta se hizo especialmente apremiante en el siglo XX, cuando el modelo heredado entró en crisis, aunque hacía ya tiempo que ese modelo no funcionaba.
La inadecuación de la teoría se hizo cada vez más patente, año tras año, periodo tras periodo, a medida que cada movimiento volvía a replantear la cuestión, ofreciéndose como una posible respuesta definitiva.
El arte es uno de esos estadios —en realidad, uno de los estadios finales en el retorno del espíritu al espíritu a través del espíritu.
Si miramos el arte de nuestro pasado reciente en estos grandiosos términos, nos encontrarnos con algo que dependía cada vez más de una teoría para existir como arte; la teoría no es algo ajeno al mundo que pretende comprender, sino que para comprender su objeto tiene que comprenderse a sí misma.
«El fin de la historia» es una frase con implicaciones ominosas en una época en la que parece estar en nuestras manos el fin de todo, incluida la propia existencia de la humanidad.
Siempre han existido visiones apocalípticas, pero rara vez se han acercado tanto a la realidad como ahora. Cuando ya no quede nada con lo que hacer historia —por ejemplo, seres humanos—, ya no habrá historia.
El arte sólo es verdaderamente libre, cuando «se establece en una esfera compartida con la religión/espiritualidad y la filosofía, convirtiéndose así, de ese modo en una modalidad más a través de la cual... se revelan las más grandes verdades espirituales».
El arte, la pintura es pasión e instinto.
1) El arte es descubrir, identificar, describir y fijar nuestras experiencias, nuestra realidad
interior.
2) El arte es aquello que representa lo que hay de eterno en el mundo.
3) El arte es un modo de aprehender aquello que de otro modo es imposible captar y que
excede de la experiencia humana.
4) El arte es una liberación de conflictos a través de la acción .
Los seres humanos albergamos la capacidad de generar imágenes y la capacidad de darle
forma visual a los conflictos.
El potencial psicoterapéutico se encuentra en la creatividad de las personas y en el acto de
hacer arte. Es decir, en la capacidad inherente de todos nosotros para auto expresarnos.
El acto creativo y la producción son las llaves del proceso de arte terapia o psicoterapia a través del arte.
Este es un arte que no va en busca del prestigio, sino de un autoconocimiento y reconocimiento personal, íntimo.
Su reconocimiento está vinculado consigo mismo y con el entorno más próximo.
Es un arte donde no se busca la “perfección técnica” sino que la técnica surge con la propia
experiencia del hacer.
La primera regla es que para pintar o hacer objetos de arte “en el proceso” no hay reglas para hacer arte, sino libre expresión en la creencia justificada de que todos somos creativos y de que todos podemos expresarnos.
Las obras son un espacio con múltiples entradas y múltiples salidas.
Son representaciones y presentaciones a un mismo tiempo que adquieren forma y significado mediante la creatividad y la estética resultante.
La expresión transformada en imágenes, en obra de arte, expresa complejidades simultáneas tanto para el creativo como para el observador.
Desde una perspectiva Transpersonal.
Ken Wilber, escribió hace unos años un ensayo para la apertura de una exposición de pintura, en la que exponía: ” el arte en el mundo existencial postmoderno, ha llegado a un “cul-de-sac” a un punto muerto, sin retorno, sin salida, y con esto no quería decir que el ARTE mismo estuviese exhausto, pero que el punto de vista existencial de nuestro actual mundo, sí lo está , "nuestra percepción, nuestra Cosmovisión “.
Si Wilber esta en lo cierto, en lo correcto, el arte se energetizará, en un futuro próximo , por algo totalmente nuevo, y ese salto, ese cambio será a un plano espiritualmente mas alto, mas elevado, mas transpersonal.
En este "nuevo arte", no sería el “motivo” expresado lo importante, pero sí la profundidad del tema expresado por el medio , por la manera de expresarlo , lo que lo definirá , unido esto también a la percepción, observación e integración de lo ocurrido en el proceso.
"Al arte Transpersonal se le puede entender como trabajo artistico que extrae , desarrolla y apunta sobre importantes temas mas allá de lo individual (self), y conexiona a su vez con la consciencia transpersonal y con los acercamientos místicos y creativos”.
Los orígenes primitivos del arte transpersonal, se crean de una expresión que buscó la
intimidad, la comunión profunda, que conjugó y unió los aspectos shamánicos y místicos,
mundos o espacios de conciencia espiritual, mundos del más allá. Pero sin olvidar, incluyendo en el proceso lo personal, penetrando en lo sutil, lo imperceptible, lo delicado, en los campos colectivos universales y colectivos de nuestra naturaleza, mundos accesibles a la conciencia que sana, que se mueve hacia la plenitud, la integridad, la totalidad y la experiencia de la UNICIDAD con lo inconmensurable, lo ilimitado, lo no atado, lo interconectado, un Universo "quantum-coherent", íntegro.
Es bien sabido que las pinturas y los pigmentos pueden ser utilizados, como objetos rituales. Substancias mágicas y energéticas que ayudan a crear un espacio de manifestación.
Pintar o la observación de una pintura , puede ser un vehículo de meditación ritual, un ritual de afirmación y manifestación.
Cuando un artista transpersonal utiliza el proceso del “acto de pintar” o realiza una obra, y se introduce en lo que está haciendo, cuando respira conexionado con su objeto ritual < la
pintura, el papel, los colores, la tela a mano >, cuando comprende lo que está ocurriendo ,
lo que está sucediendo allí delante de ellos, “toman” ese momento, ese espacio tiempo para habitar, respirar en simbiosis con la obra, en plenitud, en consonancia, en totalidad con ella, haciendo cada parte y cada momento del proceso de creación un juego inductivo al trance....., <esto es , en vez de correr hacia un fin, de lanzarse hacia un resultado provisto de antemano>.
Idealmente la pintura, la expresión que se ejecute deberían de ser memorias orgánicas, reacciones espontáneas de color y movimiento, interactivas, permitiendo al observador encontrar dentro de la imagen su propia realidad o resonancia.
El Arte Transpersonal refleja con precisión la multiplicidad de nuestras realidades, a través de nuestro mundo de significados primarios, un modo universal de consciencia que visiona, prevee e imagina la vida como algo sagrado.
Las comunidades artísticas y científicas, han definido al arte transpersonal como a el espacio intermedio entre dos visiones del mundo, una que muere lentamente y la otra sin todavía nacer. Boucovolas- “Journal of Transpersonal Psichology”.
Podríamos mirar al pasado por aquellas contadas ocasiones en las que una subcultura
conectó con un mundo transpersonal y como esta lo impulsó hacia adelante en arte,
arquitectura, pintura , poesía y pensamiento.
Podriamos mirar al pasado solo por una pista, una insinuación, porque la "casa de nuestro mañana" de nuestro futuro, podrá ser “decorada“ solamente por aquellos artistas que estén ahora en el umbral, a las puertas de este cambio, de esta percepción , de este desarrollo.”
Ya que, el arte actual ha estado demasiado concentrado y demasiado entregado en hacer hincapié en las dimensiones racionales, superficiales y mundanas del arte y subsecuentemente muy poco sobre las dimensiones espirituales o "del pensamiento", la idea, la forma, el concepto que sostiene que el arte tiene un significado más allá de la persona, del ente individual.
Recientemente el “Journal of Transpersonal Psichology” lanzó una edición especial que
trataba en sus articulos de este tema:
"Desde la psicología transpersonal a una orientacion multidisciplinar y transpersonal de la
vida”. Definiendo a el Arte Transpersonal como a las técnicas que tienen que ver más con el arte de sanar, que con el de curar.
Curar sin sanar es un triunfo, pero sanar y probablemente curar es una gran necesidad actual. La mente y el cuerpo es mucho mas que una simple , extraordinaria y compleja máquina. También somos seres espirituales aprendiendo y buscando significados en la vida, significados en el nacer y en el morir y en todo aquello que le precede y le sigue a nuestro
proceso de vida.
Las tradiciones psicoespirituales de las culturas del mundo, nos ofrecen un potencial de
nuevos modelos de salud y bienestar.
Estudios comparativos de sistemas religiosos y espirituales y la antropologia transpersonal
son una parte importante de la terapia transpersonal, porque todos los eventos significativos e importantes en la vida, reflejan un profundo sentido o propósito, significado y dirección y la espiritual o transpersonal dimensión de la experiencia humana.
Según Alan Davie (pintor escocés).
“El artista fue el primer mago y el primer líder espiritual y, por cierto, hoy debería asumir el rol de gran sacerdote del nuevo espiritualismo”.
BIBLIOGRAFÍA
Longino o Pseudo-Longino es el nombre habitual que se da al autor del tratado(Sobre lo sublime), que especifica especialmente el concepto de "grandeza" en la literatura. Longino debió ser un profesor de retórica o crítico literario de cierta tendencia neoplatónica que pudo vivir entre el siglo I y el siglo III.
Sesshū Tōyō (雪舟等楊? , conocido también como Sesshū; provincia de Bitchū, Japón, 1420 – 1506), fue uno de los principales expositores del suibokuga (pintura con tinta), y un monje budista zen. Es considerado uno de los maestros de la pintura japonesa.
Doménikos Theotokópoulos,(Candía, 1541-Toledo, 1614), conocido como el Greco («el griego»),a fue un pintor del final del Renacimiento que desarrolló un estilo muy personal en sus obras de madurez.
Stanisław Ignacy Witkiewicz (conocido como Witkacy; 24 de febrero de 1885-18 de septiembre de 1939), escritor, fotógrafo, filósofo y pintor polaco.
Georg Wilhelm Friedrich Hegel (Stuttgart, 27 de agosto de 1770–Berlín, 14 de noviembre de 1831) fue un filósofo alemán.
Benedetto Croce (25 de febrero de 1866 – 20 de noviembre de 1952) fue un escritor, filósofo, historiador y político italiano
Carl Gustav Jung Turgovia, Suiza; 26 de julio de 1875-Küsnacht, cantón de Zúrich, id.; 6 de junio de 1961) fue un médico psiquiatra, psicólogo y ensayista suizo, figura clave en la etapa inicial del psicoanálisis; posteriormente, fundador de la escuela de psicología analítica, también llamada psicología de los complejos y psicología profunda.
Hans Hofmann (21 de marzo de 1880 en Weißenburg in Bayern, Baviera – 17 de febrero de 1966 en Nueva York) fue un pintor alemán.
William Baziotes (Pittsburgh, Pensilvania, Estados Unidos, 1912 - Reading, Pensilvania, 1963), fue un pintor de tendencia surrealista dentro del expresionismo abstracto.
James Alan Davie (28 de septiembre de 1920 - 5 de abril de 2014)1 2 fue un pintor y músico escocés.
Arthur Coleman Danto (Ann Arbor, Míchigan, 1 de enero de 1924 - 25 de octubre de 2013)1 fue un crítico de arte y profesor de filosofía de los Estados Unidos.
Alberto Giacometti (Borgonovo, Suiza, 10 de octubre de 1901 - Coira, Suiza, 11 de enero de 1966) fue un escultor y pintor suizo.
Jackson Pollock (Cody, Wyoming, 28 de enero de 1912-Springs, Nueva York, 11 de agosto de 1956), fue un influyente pintor estadounidense y una importante figura en el movimiento del expresionismo abstracto.
André Masson (Balagny-sur-Thérain, 4 de enero de 1896 - París, 28 de octubre de 1987), fue un pintor francés asociado al surrealismo y al expresionismo abstracto, nacido en Balagny.
Roberto Sebastián Antonio Matta más conocido como Matta (Santiago, 11 de noviembre de 1911-Civitavecchia, Italia, 23 de noviembre de 2002), fue un arquitecto, humanista, pintor y poeta chileno.
Mark George Tobey (Centerville, 11 de diciembre de 1890 - Basilea, 24 de abril de 1976) fue un pintor expresionista abstracto estadounidense. Ampliamente reconocido en Estados Unidos y Europa, Tobey es el más destacado entre «los pintores místicos del Noroeste». Mayor en edad y experiencia, Tobey tuvo una fuerte influencia sobre los otros. Amigo y mentor,
.Barnett Newman (29 de enero de 1905 - 4 de julio de 1970) fue un pintor estadounidense relacionado con el expresionismo abstracto y un destacado exponente de la pintura de campos de color (color-field painting).
Clyfford Still (30 de noviembre de 1904 - 23 de junio de 1980) fue un artista estadounidense, pintor, y además una figura destacada del Expresionismo abstracto.
Robert Motherwell (Aberdeen, Washington, 24 de enero de 1915 – 16 de julio de 1991) fue un pintor estadounidense y una figura destacada del expresionismo.
Boucovolas- “Journal of Transpersonal Psichology”
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